Las 50 Mejores Películas de los Últimos Años (1-10) martes, 18 de septiembre de 2007

[Hay una lista actualizada al 31/12/2009 con Las mejores películas de la década.]

1. El Camino de los Sueños
Mulholland Dr.
de David Lynch
con Naomi Watts, Laura Harring, Ann Miller, Dan Hedaya, Justin Theroux, Brent Briscoe
Francia/EEUU, 2001

Luego fue verdad, no sueño;
y si fue verdad --que es otra
confusión y no menor--,
¿cómo mi vida le nombra
sueño? Pues, ¿tan parecidas
a los sueños son las glorias,
que las verdaderas son
tenidas por mentirosas,
y las fingidas por ciertas?
¡Tan poco hay de unas a otras
que hay cuestión sobre saber
si lo que se ve y se goza
es mentira o es verdad!

- Calderón de la Barca, La Vida es Sueño

David Lynch es uno de los directores norteamericanos más importantes de los últimos treinta años. Sus obras son piezas originales, potentes e imaginativas. Su arte presenta una visión muy personal sobre la pérdida de la inocencia en un mundo oscuro, confuso y extraño.
Mulholland Dr. no es una fábula tan obvia como lo fue Blue Velvet. Mientras que esta última presentaba una división tajante entre una superficie apacible y una oscuridad subyacente en un típico pueblo norteamericano, El Camino de los Sueños tiene como escenario a Hollywood, y entonces, las reglas son otras. Allí, lo ilusorio tiñe todo: es un estado surreal permanente, onírico, donde "tan parecidas a los sueños son las glorias" y tan pesadillescos los fracasos, las decepciones.
Se adivina a grandes rasgos una historia, un relato (despojado de sus momentos más surrealistas es un drama muy intenso), pero en primer plano están puestas las sensaciones, y a ello contribuyen una riqueza visual y sonora pocas veces tan bien aprovechadas en el medio: Mulholland Dr. es un canto al cine, una película de enorme belleza, con la magia única de un genuino auteur.



2. Ciudad de Dios
Cidade de Deus
de Fernando Meirelles, Kátia Lund
con Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino, Phellipe Haagensen, Phellipe Haagensen
Brasil/Francia/EEUU, 2002

Ciudad de Dios es una película extraordinaria. La historia, tratada con un brillante rigor narrativo, gira en torno al rabioso nacimiento y desarrollo del narcotráfico en una de las favelas más peligrosas de Río.
Veremos que allí la violencia y la muerte son tan corrientes como el esfuerzo de quienes intentan salir de ellas. El dolor y la crudeza -tan reales como libres de solemnidades y condimentos- contrastan con el ingenio, la adaptabilidad y la humanidad de quienes intentan vivir, excluidos de la sociedad, en medio de una guerra de pobres contra pobres.
La película se presenta inmejorable para la bajada de línea, pero esto jamás sucede: Ciudad de Dios no es políticamente correcta, ni siquiera incorrecta en tal sentido. Logra mostrarse cruel, dura, desgarradora, mostrando elementos de una realidad ineludible, sin mistificar ni justificar bandos o ideologías, sin ser aleccionadora ni moralista.
La historia está narrada a través de interesantes flashbacks y enroques temporales por el simpático y tranquilo Buscapé, personaje con el cual gran parte de la platea se sentirá identificada. La narración -compleja por momentos, desarrollada a través de casi tres décadas- es muy linda en sí misma, con un claro toque Scorsese, pero es sólo una excusa para que nos detengamos en el trasfondo de la película, en quienes simbolizan a los cien mil individuos inmersos en el oscurso negocio del narcotráfico en Río de Janeiro.
Algo que aprendemos en la violenta Ciudad de Dios es que no hay "violentos por naturaleza" sino personas que, inmersas en un desesperanzador entorno, ven en las drogas (y por ende, en las armas) la única manera de dirigir sus vidas. También veremos a quienes se resignan moralmente, a quienes quieren mantenerse alejados de las mafias que enquistan la ciudad entera, a policías que ya no entran a arrestar sino directamente a matar, y -en el medio- a gente humilde harta de una guerra sin cuartel y sin fin.
Por todo esto, Ciudad de Dios -sin ser lacrimógena- llega al corazón. Aunque donde mejor termina anidando es en nuestras cabezas. Porque después de verla van a darse cuenta que hay mucha, mucha tela para cortar más allá de los brillantes 130 minutos del film. Una película verdaderamente imperdible.



3. Antes del Atardecer
Before Sunset
de Richard Linklater
con Ethan Hawke, Julie Delpy
EEUU, 2004

Viena, 1995. Las cosas de la vida hacen que Jesse, un estudiante norteamericano, conozca a Celine, una joven francesa, en un tren con destino a Austria. Convienen en bajarse juntos en una estación, y pasan una noche apasionada e inolvidable. Al día siguiente deben separarse, pero arreglan seis meses después en el mismo lugar. Sin teléfonos, sin direcciones: sólo una promesa...
París, 2004. Jesse es ahora un novelista de 33 años, y está presentando su primer obra en una pequeña librería. Celine, sintiéndose identificada con la protagonista del libro, aparece en la "charla con el autor" y lo observa detrás de una biblioteca. Se ven, Jesse sale a su encuentro. Pero le avisan, casi al pasar, que en una hora y media debía estar en el aeropuerto...
Aquí es donde comienza esta película --técnicamente una secuela de Antes del amanecer, pero que funciona muy bien aún si no se vio la primera parte. Ochenta minutos en los que a estas dos almas gemelas el tiempo se les escurre entre los dedos, mientras intentan cerrar su deuda con el pasado y buscar en el otro algo más, una década más tarde.
La conexión entre ellos es tan honesta y fluida como en la vida real. La charla es genuina. Hay una química implícita en cada tema de conversación, en cada reacción, que fluye por los pasajes de los diálogos y que vuelven a Antes del atardecer una película bella y fresca, claramente el punto más alto de la sociedad Hawke-Delpy-Linklater.
Una película única, sobre esas personas "especiales" que entran en tu vida y te cambian por completo.



4. Amélie
Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain
de Jean-Pierre Jeunet
Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Dominique Pinon
Francia/Alemania, 2001

Hubo una época en la que grandes relatos cohesionaban y orientaban nuestra existencia, llenándola de significado. Esto iba más allá de los ismos y las batallas ideológicas: fue la forma moderna de pensamiento por definición. Mi generación, por el contrario, hoy está siendo educada para desconfiar, para que todo dé lo mismo: este mundo crea cínicos a un ritmo vertiginoso. Vivimos en tiempos desencantados.
Y así las cosas cuando de repente llega esa chica, que mira a cámara con su sonrisa naïf y los ojos grandes como platos: por algún motivo nos encanta, nos re-encanta. Y es que Amélie no es un personaje: es una declaración de principios.
Esta muchacha fabulosa vive rodeada de seres desdichados, y llega un momento en el que sus pequeños triunfos dejan de llenarla: ahora, también, quiere hacer felices a los demás. Así como lo escribo, sin ponerme colorado: un objetivo bien moderno, en momentos tan posmos. Amélie no vive en otro planeta: es inteligente, y sabe que son tiempos difíciles para los soñadores. Pero también sabe, como alguien escribió una vez, que la única cura del posmodernismo es la enfermedad incurable del romanticismo.



5. Kill Bill
Kill Bill: Vol. 1
Kill Bill: Vol. 2
de Quentin Tarantino
con Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Daryl Hannah, David Carradine, Michael Madsen
EEUU, 2003/2004

Una temática western, una estética oriental, Quentin Tarantino. ¿Qué puede salir mal? QT está aceitadísimo y, en asociación con la bella Uma Thurman, crea un mundo de personajes únicos que, en dos entregas, nos brindan una de las películas capitales de lo que va del siglo.
Leí en algún lado que Kill Bill contiene tantos homenajes a otras películas que posiblemente necesitarías un doctorado en cine para captarlos todos. Probablemente sea cierto. Pero también es verdad que Tarantino es una suerte de director pop y sus cintas son, de alguna manera, terriblemente accesibles al público masivo. Con Tarantino los elementos clásicos siempre son algo más. El humor, de tan negro, es algo más que humor; la violencia, de tan estilizada, se pierde en el absurdo; la mezcla de géneros, de tan frenética, se acerca a un logradísimo pastiche.
La primera parte es shockeante, un espectáculo total a base de batallas con sables, bandas en vivo, sangre a chorros como en las películas de clase B y hasta una increíble secuencia en formato animé. La segunda mitad, más dramática y profunda, es el plato fuerte: mi amigo Santz sostiene que la 1 es simplemente un trailer (de cien minutos) de la 2, la verdadera Kill Bill.. Aquí la historia entra en un terreno en donde se desnuda de los artificios que pueden haberle hecho pensar a alguno que Tarantino se había quedado sin ideas y lo había tapado con fuegos artificiales. Aquí está la Novia, Uma Thurman, con la culminación de su venganza, y alguna que otra sorpresita. Y los diálogos, claro: sólo acuérdense de Bill hablando de Emilio, primero, y de Superman, después. Una obra sencillamente gloriosa.



6. Entre Copas
Sideways
de Alexander Payne
con Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen, Sandra Oh
EEUU, 2004

Dos viejos amigos se largan a un viaje por la ruta de los vinos del Napa Valley californiano... pero en el medio se cruzaran con algunas sorpresas. ¿Quién no conoce un Miles o un Jack? ¿Quién puede ser incapaz de comprender las actitudes de cada uno de ellos frente a sus problemas, o la relación que los une?
En este caso, la genialidad de los personajes (superlativo Paul Giamatti como antihéroe), los inolvidables diálogos y las escenas memorables marcaron la diferencia entre una buena película y una película excelente. A veces sólo basta con narrar una historia bastante ordinaria, de una manera extraordinaria. Como comentaron en AV Club: "Es raro encontrar una buena comedia, pero aún más raro es encontrar una que combine risas con intimidad". Entre copas consigue un clima tan humano y agridulce que van a salir del cine con la sonrisa más triste que tengan.



7. The Host
Gwoemul
de Bong Joon-ho
con Song Kang-ho, Byeon Hie-bong, Park Hae-il, Ko Ah-sung, Bae Du-na
Corea del Sur, 2006

Una de las principales características del cine coreano parece ser su irremediable tendencia hacia la fusión de géneros. Así, cuando uno ve películas como Oldboy (Park Chan-wook) o Woman on the Beach (Hong Sang-soo), nunca se sabe si se está viendo una cinta de acción, un (melo)drama o una comedia.
Esto es lo primero que se me vino a la mente mientras veía estallar en The Host un impresionante arsenal de recursos. Después lo pensé un poco y me di cuenta que aquí la mezcla genérica existía, pero no era aleatoria. Y es que, es cierto, a uno lo agarran desprevenido en todo momento: uno no sabe si reirse, llorar o asustarse. Pero a medida que avanza la película nos damos cuenta que existe una jerarquización. ¿Qué quiero decir con esto? Que "la película de monstruos" que todos fuimos a ver es simplemente una excusa. Una excusa que el talentoso Bong Joon-ho utiliza para expresarse sobre el estado del mundo a través de una sátira tremenda, al tiempo que hace una tierna comedia sobre el valor de la familia. (Su idea de familia peleada y disfuncional pero fuertemente unida frente a un elemento común me trajo a la mente a la familia de la inclasificable La felicidad de los Katakuris de Takashi Miike y también, por qué no, al bizarro grupo familiar de Little Miss Sunshine.)
The Host es una experiencia cinematográfica imperdible. Los primeros veinte minutos son una secuencia de apertura memorable. Hong-soo se anima a mostrar al monstruo de entrada, a plena luz del día, sin arruinar nada de lo que tenía planeado.
Asimismo, al tiempo que el enorme bicho se nos presenta como terrorífico y atemorizante, determinadas tomas de cámara (lejanas) nos muestran lo opuesto, generando un efecto de distanciamiento que permite reírnos de acontecimientos tales como una matanza en un trailer o un doloroso funeral.
La explosión visual y sonora que derrocha el film genera sustos, lágrimas y risas pero, sobre todo, muchas sorpresas. Hay cambios de marcha, aparentes descansos en el relato, pero los ritmos están brillantemente manejados y el film se sostiene minuto a minuto. El suspenso está tan bien construido que casi podemos sentir la maestría en la dirección.
Considerada en su conjunto, la genialidad de The Host consiste en colocar una furiosa crítica social en un producto extremo pero accesible gracias a su disfraz genérico. El abuelo, sus tres hijos y su nieta luchan contra un monstruo carnívoro, viscoso y visible... pero más aún, contra las bucocracias y el desinterés del gobierno propio y ajeno (sí, los Estados Unidos, justificando una intervención militar mediante mentiras: ¿les suena?). ¿Cómo leemos que en la "escena de destrucción del monstruo" no participen grandes ejércitos occidentales ni grupos paramilitares liderados por tipos musculosos, sino un estudiante furioso con una bomba molotov? Digo: una familia laburante coreana cargándose a todos los monstruos de la era de la globalización financiera. ¿Un Godzilla contrahegemónico, quizás?



8. Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos
Eternal Sunshine of the Spotless Mind
de Michel Gondry
con Jim Carrey, Kate Winslet, Elijah Wood, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Tom Wilkinson, David Cross
EEUU, 2004

Charlie Kaufan es el guionista de El Ladrón de Orquídeas y ¿Quieres ser John Malkovich?; Michael Gondry es el responsable de los videos "The Hardest Button to Button" de los White Stripes, "Everlong" de los Foo Fighters y "Human Behavior" de Björk. Juntos, son dinamita: los principales representantes de una cierta estética surrealista, onírica, que actualmente está nutriendo al indie mainstream --no hay contradicción de términos.
Eterno Resplandor de Una Mente Sin Recuerdos nos presenta a Joey (Jim Carrey) y Clementine (Kate Winslet), una pareja que, luego de un fracaso amoroso, decide borrarse parte de sus memorias, eliminando los recuerdos que tienen uno del otro. Las cosas se complican cuando, una vez iniciado el proceso, Joel descubre que hay cosas que no quiere olvidar.
Los primeros minutos de la película son un tanto desconcertantes. Luego, de a poco, todo va cerrando. Es ciertamente una película interesante: como experiencia cinematográfica es realmente muy buena. Cuenta con escenas memorables, intensos diálogos, y unos arranques de surrealismo ciertamente cautivantes. Al estilo de películas como Vainilla Sky (aunque esta es definitvamente mejor), Eterno Resplandor... es inclasificable: aunque tiene elementos de varios géneros, no llega a ser un drama, ni una comedia, ni una película romántica. Esquivando las etiquetas y sorprendiendo a cada paso, Eterno Resplandor... gira alrededor de una pregunta filosófica muy compleja: ¿somos lo que recordamos?



9. El Laberinto del Fauno
de Guillermo del Toro
con Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Ariadna Gil
Mexico/España/EEUU, 2006

A mitad de camino entre un crudo relato sociopolítico y un pesadillezco cuento de hadas, el director Guillermo del Toro construye con El Laberinto del Fauno una obra exquisita.
El film está situado en España, en la época que sigue a la guerra civil. Ofelia (Ivana Baquero) es una niña que viaja con su madre viuda (Adriana Gil) a encontrarse con su actual marido, el capitán Vidal (Sergi López). Los franquistas han vencido pero algunos rebeldes aún resisten en los alrededores del puesto.
Soñadora, solitaria, y aterrorizada por el mundo que la rodea, Ofelia se refugia en la lectura. Y pronto esta vía de escape tomará ribetes muy reales cuando se encuentre con un fauno que le propondrá pasar una serie de pruebas.
En su crítica de la película, Diego Lerer compara el mundo propio creado aquí con los de Tim Burton, David Lynch o Peter Jackson. Sí y no. Ya que, si bien es cierto que los momentos más oníricos del film tienen un toque reconocible el filmes de Lynch como Mulholland Drive o Terciopelo Azul, esta idea de la "pesadilla fantástica" y su intersección constante con el relato desarrollado en la superficie la acerca más al retorcido mundo de Tideland, otra de mis favoritas recientes.
Por momentos cruda y explícita, esta suerte de "fábula antifascista" (Del Toro dixit) cautiva al espectador como sólo pueden hacerlo los grandes trabajos. Y es que, despues de todo, nosotros ya somos grandes y la inocencia ya la perdimos --pero por momentos, viendo El Laberinto..., nos sucede como a la pequeña protagonista y el horror nos sorprende como si fuera la primera vez. Ahí es cuando sabemos que estamos frente a algo grande.



10. Buenas Noches y Buena Suerte
Good Night, and Good Luck
de George Clooney
con David Strathairn, Robert Downey Jr., Frank Langella, George Clooney, Patricia Clarkson, Jeff Daniels
EEUU, 2005

Como muchas grandes películas han hecho en su momento, Buenas noches y buena suerte cuenta un episodio pasado que le sirve para hablar del momento actual. La apuesta es en sí misma una sutileza, pero más sublime aún es su ejecución. Buenas noches... es una superlativa obra low-key, con un destacado elenco, un ritmo absorbente, presentado en un vívido y elegante blanco y negro.
La firmeza y el coraje que la cinta recupera del periodista Edward R. Murrow nos lleva a pensar qué escasos son estos valores hoy día, y por ende cuán potente se vuelve su mensaje en una época signada no tanto por la censura estatal (aunque la Patriot Act norteamericana revive aquellos fantasmas) sino, peor aún, por una autocensura que se desprende de la corrección política, la presencia de poderosos anunciantes, y el desinterés total de un público atomizado y escéptico. ¿Cuál es, hoy, el lugar del periodismo? ¿Informar divirtiendo, divertir informando, bajar la vara hasta tocar el piso? ¿O saber enfrentar a los poderes establecidos en pos de unos valores que el comunicador asume como propios? Vean esta y compleméntenla con la que está #12 en el ranking.

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